Aunque No Sea Conmigo

Son La misma canción, una en versión de Enrique Bunbury, muy Jazz, mas bien muy Soul que es la parte triste de Jazz, con un toque latino al fondo. Otra, en una versión mas caribeña, el señor Celso Piña y Café Tacuba, vamos a ver cual les gusta mas.

Una canción… Algunas veces la vida nos pone en un dilema, el dilema de hacer las cosas bien aunque los demás pienses que eres un cafre y estas haciendo lo peor del mundo, abandonar una persona, pero, algunas veces solo se hace para no hacer un daño mas grave. De eso habla esta canción, de tanto amor, que prefiere perder todo, incluso al ser que ama, solo con el fin de que ese ser al que ama, sea feliz… "Aunque no sea conmigo"

Tiempo atrás alguien me digo, "No hagas cosas buenas que parezcan malas", pero algunas veces no se piensa con la cabeza, si no con el corazón, no se piensa en uno, se piensa en los demás, y la felicidad de otro termina siendo la nuestra, y su felicidad termina siendo la mía.

Incluso el tiempo nos recuerda lo bueno y lo malo, y al verla, después de mucho tiempo, al verla feliz, piensa que fue la mejor decisión, que fue por amor lo que hiciste y que aunque tu no estés mejor, ella si lo esta.

La vida es todo aquello que pasa, mientras uno esta ocupado haciendo otra cosa. - Jhon Lennon

El jinete - tributo a jose alfredo.

“Por la lejana montaña, va cabalgando un Jinete….”, si me antoja algo así como Cowboy Depot, bien manga, bien llena de tristeza, llena de amor al mismo tiempo, llena de ganas de morir para poder estar con ella o tener el poder de la muerte para volverla a la vida y tenerla a su lado, peor aun, ganas de morir, de solo buscar la muerte.

Lo bello de la canción, es que es un homenaje a Jose Alfredo Jiménez, y que versión, que versión, que dolor al cantar, que arreglos. “..Hombre y guitarra llorando…” así se siente la canción, un llanto a dúo, un llanto de dolor y de amor, ya se por que riman, no pueden existir la una sin la otra.

No les digo quien la canta, solo escúchenla y si les gusta disfrútenla.

La utopía está en el horizonte. Camino dos pasos, ella se aleja dos pasos y el horizonte se corre diez pasos más allá. ¿Entonces para que sirve la utopía? Para eso, sirve para caminar. - Eduardo Galeano

Poison

Alice Cooper fue una banda de rock y hard rock, pionera del género conocido como glam rock. Surgida en 1964 en Arizona, Estados Unidos, logró su mayor auge durante los años 70. Posteriormente, su líder, continuaría como solista tomando el antiguo nombre de la banda, Alice Cooper, y moviéndose hasta nuestros días entre géneros tan dispares como el heavy metal (siendo considerado un relevante precursor de éste, la new wave o el Pop rock, a lo largo de los 80 y 90, y retomando a principios de los años 2000 con álbumes como "The eyes of Alice Cooper", el rock and roll y hard rock de sus inicios.

1964 - 1970: Los inicios y la influencia de Frank Zappa Hijo de un predicador, Vincent Furnier (nacido el 4 de Febrero de 1948 en Detroit Michigan) luego conocido como "Alice Cooper" fue el primero en asociar Rock y espectáculo en sus conciertos, el primero en montar pequeñas historias teatrales encima de un escenario donde a la vez tocaba un grupo de Rock y crear de sí mismo un personaje surgido de la más sórdida de las pesadillas. Con maquillajes de aspecto siniestro, inquietantes letras y provocativas representaciones que abarcaban ejecuciones con guillotina y sillas eléctricas o actos con enormes serpientes. Esta característica escénica influenciaría notablemente a grupos como KISS, White Zombie, Mötley Crüe, Twisted Sister, Marilyn Manson, Lordi, etc. Dentro de su actitud irreverente destaca el show de cortar bebés con un hacha, filetear una dama frente a un refrigerador abierto e incluso lanzarse para presidente contra Richard Nixon en Estados Unidos de America. La banda en sus inicios acusó una gran influencia de Frank Zappa, mentor de la formación; Zappa aconsejó al grupo incorporar elementos extravagantes en sus actuaciones, tales como tirar gallinas al público; los primeros álbumes de la formación, acusaron de esta manera una influencia del genio, que perviviría a lo largo de su carrera, en elementos de Rock progresivo que se pueden apreciar en los álbumes clásicos del grupo.

1971 - 1973: los años clásicos de la Alice Cooper band Su estilo quedaría más definido a partir del álbum "Love it to death" (1971), su primer disco de éxito, que incorpora el himno generacional "I'm Eighteen". Posteriormente, publicarían entre 1971 y 1973 lo que se considera como su trilogía clásica, "Killer", "School's out" y el exitoso "Billion dollar Babies", discos que, junto con "Love it to death" contienen su repertorio más recordado, temas como "Under my Wheels", "Elected", "Is it my body" "Desperado" o "School's out".

1975 - 1983: Welcome to my nightmare; decadencia Alice Cooper inicia en 1975 su carrera como solista, con otro álbum elevado a la categoría de clásico por la crítica, como es "Welcome to My Nightmare", un disco lleno de eclecticismo y cuidados arreglos, además de un sonido ligeramente más endurecido en ciertos cortes del álbum. A este álbum pertenecen temas tan recordados como "Department of youth", "Devil's food" o la exitosa balada "Only women bleed". Su siguiente trabajo, "Goes to hell" (1976), mantendría el tipo artísticamente, sin alcanzar el nivel de su predecesor, pero Alice se hundía cada vez más en graves problemas de alcoholismo que afectarían negativamente a su carrera, llevando incluso a su ingreso en un centro psiquiátrico, experiencia que sirve de leit-motiv para su álbum "From the inside".

1986 - 1991 Kane Roberts y "Poison": el Heavy Metal 1986 vería el regreso de Alice Cooper al primer plano de la actualidad musical, abrazando de lleno el Heavy Metal, de la mano del fornido guitarrista Kane Roberts, con el exitoso "Constrictor". Una línea que tendría su continuidad en el álbum "Raise your fist and yell"; estos dos discos dejaron para la posteridad temas como "Teenage Frankenstein" o "Freedom". Su siguiente trabajo, ahondaría en la misma línea, pero su sonido se dulcificaría incluyendo coros y melodías similares a las del exitoso Glam metal, y contando para ello con el exitoso compositor y productor Desmond Child, que había trabajado para bandas como Bon Jovi. El resultado fue el exitoso "Trash" (1989), un disco recordado por el megahit "Poison" (Que acompaña este correo electrónico), cuyo video fue fuertemente promocionado por MTV y por otros como "Bed of nails" o "Spark in the dark". Su siguiente trabajo, "Hey Stoopid" (1991), seguiría la misma línea que su predecesor, pero sin alcanzar su éxito, y dejando temas como "Love is a loaded gun". Habían comenzado los años 90, y el Glam metal había perdido su popularidad ante el auge del Grunge.

Sus siguientes trabajos, del 2000 y 2001, "Brutal planet" y "Dragontown", retomarían el Heavy metal, desde un concepto endurecido, en una aproximación al rock industrial y el metal más en boga de grupos como Nine Inch Nails o Marilyn Manson.

Finalmente, Alice recluta para su banda a todo un équipo de músicos jóvenes, admiradores del sonido de la Alice Cooper band que triunfó en los años 70, lo cual precipita una vuelta de lleno al Rock and roll y Hard rock de los inicios de la banda, en una aproximación mas rotunda que la de "The last temptation". "The eyes of Alice Cooper" (2003) y "Dirty diamonds"(2005), siguen este esquema, y se vieron acompañados de sendas giras en las que el grupo intenta recuperar su faceta más clásica, sin olvidar otras fases de su carrera.

Recordemos que también estuvo en el trabajo de Guns and Rose, como segunda voz en The Garden Eden, donde se nota aun su voz fuerte, dura, de puro metal, espero que disfruten de uno de mis temas favoritos del Hard Rock.

Los Enanitos Verdes y Cafe Tacuba - Ella

Esta es de esas canciones extrañas para mi, una banda que no me gusta nada, “Enanitos verdes”, con un vocalista de una banda que me gusta mucho, “Café Tacuba”, banda que para mi y muchas amigos opinan lo mismo, tiene un mejor vocalista en sus teclados, pero, su vocalista original le pone ese tono a Café que los diferencia de todos, esta canción tiene todo para gustarme, un lenguaje bello, lirica, casi poesía, acordes finos, bien hechos y mejor aun, muy andinos y centro americanos, es bella de principio a fin, y tal vez me gusta por que la voz de Marciano Cantero, vocalista de Enanitos, se pierde, es menos chichona, ideal para esta canción.

No hay nostalgia peor que añorar lo que nunca jamás existió. - Joaquín Sabina

Enrique Bunbury & Ivan Ferreiro - Lady Blue

Escucha por muchos, tal vez, entendida por pocos, aquí, medio trato de explicar lo que yo entiendo de la canción, no es su versión original, es de las que me gustan, en concierto, en vivo, donde se siente mas el sentimiento del cantante por lo que canta y mas aun si lo compone.

Imagínate luego de terminar con el ser que mas has amado, imagínate tener que volver a empezar, el comienzo del final, imagínate sentirte tan extraño como un cocodrilo astronauta, peor aun, en orbita lunar, imagina querer imaginar que todo es mejor, que aun en esa lluvia de dolor, de asteroides, todo paso, y solo piensas que desde tu punto de vista actual “no fue para tanto”, todo es insignificante, nada es tan preocupante, e increíblemente el espacio es un lugar tan vacio, por que ella no esta, por que vos no estas, una dama azul?.

Ya no hay control, no hay dirección, peor una la luz se fue a donde voy, entonces para que voy, por que ya no hay mas destino, aun así, aunque todo lo que me rodee sea brillo, no se vera, por que ella no esta, te vas, pero solo para decirle que no volverá a ver mis ojos triste, esos ojos de joven que miraba el infinito preguntando que hay mas halla de las estrellas, mas halla de ti, llamas a tus amigos, a tu cable a tierra, pierdes el control y el combustible de tu vida se apaga, y la mayoría de la “tripulación”, tus amigos, ya se cansaron de escuchar tus historias y se “quiere despedir desde aquí”, cuando la nave se hunde en el espacio, el capitán muere con ella.

Lo peor, el pobre cocodrilo astronauta se siéntete tan mal, que solo deja esta grabación en esta caja negra llamada canción, aquí es donde nos damos cuenta, que esta canción, es mas que música y letras aparentemente sin sentidos, pero, enlácenlas y es una bella canción de amor. Y es que la soledad es un lugar tan vacio sin ti.

Desde hoy no temas nada, no hace falta ya, todo se fue con el huracán, nada queda, de las fuerzas que el tiempo nos dio, todo se fue con el huracán.

Todo fue tan hermoso, ya no queda nada de lo que parecía hacerlo eterno, todo se fue con ese huracán llamado amor.

Ahí los dejo con uno de los cantantes de habla hispana que tiene mas lirica y riqueza en sus canciones.

Los sabios buscan la sabiduría; los necios creen haberla encontrado. - Napoleón Bonaparte

En el jardin del Eden - Iron Butterfly - In the Garden of Eden

Para que luego no digan que no le pegamos también al Rock en Ingles. Esta versión es la corta, pues la original dura 17 minutos, muy pesado para envairlo por correo electrónico, jajjaj.

Esta es mas una rareza por viejo y por el mito de la canción, el titulo original es In the Garden of Eden, pero se dice que el vocalista de la canción estaba tan drogado la primera vez que la canto en vivo que le salió “In-A-Gadda-Da-Vida” y asi se quedo la canción, In-A-Gadda-Da-Vida fue usada en un episodio de Los Simpson, cuando Bart cambió los himnos de la iglesia. Fue renombrada «En el Jardín del Edén» por I. Ron Butterfly. Pueden buscarlo en YouTube para que recuerden esa parte del capitulo.

Cuando la banda cambió su formación en 1968 después de una breve ruptura, los músicos que se rumoreaba que podían estar interesados en unirse como guitarristas principales incluían a Neil Young, Jeff Beck y Michael Monarch. Doug Ingle y Ron Bushy finalmente se decantaron por Erick Brann.

Iron Butterfly banda de rock duro y psicodélico estadounidense, conocida sobre todo por su sencillo In-A-Gadda-Da-Vida. Su época de apogeo fueron los últimos años sesenta, pero la banda ha reaparecido varias veces con diversos miembros.

La banda fue formada en 1966 en San Diego y lanzó su primer álbum, Heavy, en 1968. Los miembros originales eran Doug Ingle, Ron Bushy, Jerry Penrod, Darryl DeLoach y Danny Weis. Todos excepto Ingle y Bushy dejaron la banda después del primer álbum.

In-A-Gadda-Da-Vida, la canción de diecisiete minutos que da nombre a su segundo álbum, se convirtió en un enorme éxito que se pasó alrededor de un año en el Top Ten. (Se dice que Doug Ingle dijo que el título era una versión de «En el Jardín del Edén» pasada por alcohol, aunque esto es probablemente un mito.) Los miembros cuando In-A-Gadda-Da-Vida fue grabada eran Doug Ingle (teclados y voz), Lee Dorman (bajo), Ron Bushy (batería) y Erick Brann, o Braunn (guitarra). El siguiente álbum, Ball, fue menos exitoso, y estuvo seguido por más cambios en la formación. La banda se separó en 1971. Dorman más tarde se unió al «supergrupo» Captain Beyond.

La banda fue contratada para tocar en Woodstock, pero sus componentes se pelearon en el aeropuerto.

La banda se volvió a formar en 1975 con Ron Bushy y Eric Brann, a los que se unieron el bajista Philip Taylor Kramer y Howard Reitzes. Kramer más tarde fue noticia con su desaparición en 1995 y el descubrimiento de sus huesos en 1999.

La famosa formación de In-A-Gadda-Da-Vida se juntó para el concierto y la celebración del cuadragésimo aniversario de la casa discográfica Atlantic, apareciendo en escena junto con los miembros supervivientes de Led Zeppelin, y con Aretha Franklin entre muchos otros artistas de la compañía en 1987.

El 31 de julio de 2003 Erik Brann murió por un fallo cardíaco a la edad de cincuenta y dos años.

En el 2004, el grupo una vez más volvió a juntarse, y organizó una gira con los miembros tempranos Ron Bushy y Lee Dorman.

Lucho porque no quiero que nos roben más las mieles de nuestros panales. - Tupac Amaru

la planta

Mas que una canción, es una despedida, una catarsis de una tusa y una traición, el doble sentido de la canción es total, solo para mentes abiertas que puedan en algún momento haber sentido tanta traición y dolor como para dedicar esta canción.

Todos hemos pasado por esto y se siente un fresco al escuchar esta canción y poder pensar “Me encetaría dedicársel@”.

Es tan buena para salir de una tusa, que en Youtube, algunas personas han hecho arreglos fotográficos con la “Planta” de turno y la canción de turno para despedir a ese amor que se envolvió en tantos troncos, solo por ser… una ramera.

Debemos arrojar a los océanos del tiempo una botella de náufragos siderales, para que el universo sepa de nosotros lo que no han de contar las cucarachas que nos sobrevivirán: que aquí existió un mundo donde prevaleció el sufrimiento y la injusticia, pero donde conocimos el amor y donde fuimos capaces de imaginar la felicidad.

Gabriel García Márquez

Culpable y Convicta

Javier Calaramo, hermano de Calamaro, poco conocido por estos lares del norte de Sur America, pero, para mi, tal vez con mas talento y voz que su hermano.

Dejando atrás su pasado con Los Guarros, el exitoso grupo que lidero durante casi diez años, que fue elegido en reiteradas ocasiones para compartir estadios con artistas como Prince, Guns & Roses, Joe Cocker, Brian May y The Cult, Javier Calamaro reapareció en 1998 con una nueva faceta.

Luego de una gira por Córdoba, que marcaría el inicio de su carrera como solista, en 1998 firma contrato con Sony Music y lanza su primer álbum, Javier Calamaro y su orquesta pirata presentan VILLAVICIO, tango, tango, tango casi hecho rock, tango y esta canción que me hace sentir hasta ganas de beber por la muerte de Gardel, “Por que te fuiste Carlitos?, por que?”.

Dolor expresado en palabras, en letras, en acordes, dolor puesto en una canción, con una imagen sonora de una botella de vino argentino o aguardiente colombiano para pasar este dolor.

Olvidate de mí, Quiero borrar tus huellas de mi cuerpo y desaparecer

Y seré el más dulce veneno que lleves marcado a fuego en la piel

Pero antes de partir desterrame de tu corazón

Cuántas noches que perdí encerrado en mi cárcel de huesos

después de 1000 besos me hundiste el arpón.

Sigo macerando la anestesia y la entierro en mi cabeza mientras gana la ansiedad

y en la vigilia vuelvo a gritar:

culpable... convicta, no vuelvas!

Y en la noche cómplice y verdugo ella vuelve y la garganta se hace un nudo

y ya no puedo respirar mientras la lluvia canta para mí:

sabes que el amor te mata.

Qué triste es el final el funeral de aquel sueño dorado

El cuento se acabó

Desperté con los ojos vendados perdido en el Valle de la Decepción

Ya se apagó la luz de tu virtud

no queda ni un retazo bajo este manto gris

y al volver no encontré mis pedazos

y escucho a la lluvia cantar para mí...

Sigo macerando la anestesia y la entierro en mi cabeza mientras gana la ansiedad

y en la vigilia vuelvo a gritar:

culpable... convicta, no vuelvas!

Y en la noche cómplice y verdugo

ella vuelve y la garganta se hace un nudo

y ya no puedo respirar

mientras la lluvia canta para mí:

sabes que el amor te mata.

Las guerras continuarán existiendo mientras el color de la piel sea más importante que el de los ojos. - Bob Marley

Astaroth (En vivo)

Demonología que Astaroth es un gran duque del Infierno, siendo Satanás el Emperador; sus principales ayudantes son tres demonios llamados Aamon, Pruslas y Barbatos. En el Dictionnaire Infernal, Astaroth es dibujado como un hombre desnudo con alas, manos y pies de dragón y un segundo par de alas con plumas bajo el principal, llevando una corona, sosteniendo una serpiente con una mano y cabalgando sobre un lobo o un perro.

De acuerdo con Sebastian Michaelis es un demonio de primera jerarquía que seduce por medio de la pereza, la vanidad, filosofias racionalistas de ver el mundo y su adversario es San Bartolomé, que puede proteger contra él porque venció las tentaciones de Astaroth. Inspira a los matemáticos, artesanos, pintores y otros artistas liberales, puede volver invisibles a los hombres, puede conducir a los hombres a tesoros escondidos que han sido enterrados por hechizos de magos y contesta a cualquier pregunta que se le formule en forma de letras y números en multitud de lenguas.

De acuerdo con Francis Barret, Astaroth es el príncipe de los acusadores e inquisidores. Según algunos demonologistas del siglo XVI, los ataques de este demonio contra los humanos son más fuertes durante el mes de agosto. Su nombre parece venir del de la diosa Ashtart/Astarté, que en la Biblia Vulgata Latina se tradujo como Astharthe (singular) y Astharoth (plural). Esta última forma se transformó en la Biblia del Rey Jaime en Ashtaroth. Parece que la forma plural fue tomada del latín o de alguna otra traducción por aquellos que no sabían que era un plural ni que era el nombre de una diosa, viéndolo sólo como el nombre de otro dios aparte de Dios y, por tanto, un demonio.

En si esta canción es una mezcla de tentación y demonios.

Mago de Oz

De la noche de los tiempos, de tu oscuridad, he regresado a buscar un don para la humanidad.

Y no pronuncias mi nombre aunque bien sabes quién soy, (Astaroth) de tu soberbia y tu odio, el reflejo alimentado soy…!

Soy el eco de tu ira, el espejo en que tu avaricia se refleja y me da poder.

Fluyo a través de las vidas que no consiguen saber dónde encontrar la salida que abre la puerta del mal y del bien.

Ven hacia mí y déjame morar en ti, soy el deseo, lo oscuro que hay en ti.

Compro tus sueños, por tu alma, tu Dios, ¿cuánto da?.

Soy el que soy, el portador de luz… Cubra tu manto mi luz y mi amor, suave es el óbito y dulce este dolor.

Tómame y el viento hará una canción con el fuego eterno que sellará nuestra unión

"Toma mi sangre mézclala, bébela, quémala, arde en la llama, pues sólo así podrás adorarme. Y haz lo que digo porque esta es la ley. No me creas, experimenta. Bebe, pues no hay otro medio".

Ven hacia mí y déjame morar en ti, soy el deseo, lo oscuro que hay en ti.

Compro tus sueños, por tu alma, tu Dios, ¿cuánto da?.

Soy el que soy, el portador de luz… Ven hacia mí y déjame morar en ti, soy el deseo, lo oscuro que hay en ti.

Compro tus sueños, por tu alma, tu Dios, ¡¿cuánto da?! Soy el que soy, el portador de luz.

A este ruido tan huerfano de padre no voy a permitirle que taladre un corazón podrido de latir. este pez ya no muere por tu boca, este loco se va con otra loca, estos ojos no lloran mas por ti. ( Joaquín Sabina )

Mago de Oz - Satania

Satania, tal vez la canción que mas refleja la realidad de la virtualizacion del amor y de todo lo que nos rodea, un mundo donde se compran lagrimas digitales y se espera al sol en tu monitor.

· Bienvenido a la nueva era, a un mundo sin dolor, sin amor, ni imaginación, donde la lluvia sacia a un bosque que no puedes ver si no navegas por la red.

· La hermana Luna se dejó de peinar pues no encontraba el reflejo en su espejo, el Mar.

· Alza la vista hasta donde te alcance la razón, podrás ver que el sol se marchó montado en una nube de carbono y gas letal, fueron en busca de una flor.

· Pues el hermano Sol se cansó de alumbrar alimentado por un Disco Duro y una Terminal.

· Oh, en Satania estás tus pensamientos programados están. oh, aprieta el botón, navega en mi mundo: "deseos.com"

· Constrúyete un paraíso, un amante virtual, mándale orgasmos por E-Mail.

· Diséñate un beso tierno o un gesto de amor, abre un archivo y grábalo.

· Compra un programa especial para llorar donde, en las lágrimas, puedas elegir variedad.

· La voz de tu amo soy, linkeada a tu corazón, te concedo Futuro, a cambio de tu Libertad.

Mägo de Öz es un grupo español de heavy metal con fusiones de la música folk celta, actualmente es uno de los grupos de más renombre en España y gran parte de Latinoamérica, donde han cosechado gran cantidad de premios. Pese a su fama de "satánicos", sus letras cantan al amor, la igualdad y la tolerancia. Fue formado en mayo de 1989 por el baterista Txus.

En sus inicios, la banda no se llamaba Mägo de Oz, sino Transilvania en tributo a Iron Maiden, pero el nombre fue cambiado por Txus porque le agradó el tema del que trata la película El Mago de Oz: "La vida es un camino de baldosas amarillas. Hay un camino y tus sueños están al final, y tienes a tus amigos que te acompañan al recorrerlo."

Tabla de contenidos

En 1989 graban su primera maqueta titulada "Y Qué Más Da", seguida por "Canción de Cuna para un Bohemio" -que más tarde se conocería como "[Mägo de Oz]"-, con la siguiente formación:

* Juanma: Voz

* Salva: Bajo y Coros

* Chema: Guitarra Solista

* Paco: Guitarra Rítmica

* Alfonso: Teclados

* Txus Di Fellatio: Batería y Coros

En 1992 grabaron otra maqueta que incluyó "Maruja", "Rock Kaki Rock", "Gerdundula", "Para ella" (versión 1992), "El Tango del Donante"y "No Seas Pesá".

Su música estaba abierta a una gran cantidad de estilos e influencias, pero todo su potencial musical se basaba en el folk metal y la música celta, consiguiendo un estilo original como demuestran las críticas recibidas en prensa y medios especializados. Txus no daba mucha importancia a el grupo, lo tenia en un segundo plano, ya que jugaba en un equipo importante de futbol sala, lo cual era su prioridad.

En 1992 el grupo fue finalista en el Concurso Villa de Madrid, pero Chema, el guitarrista, decidió dejar el grupo entrando en su lugar Carlitos. Ademas, Txus deja el equipo y se centra en el grupo, que comenzaria a grabar su primer album.

Tras dos grabaciones y la expulsión de Charlie y la reentrada de Chema en el lugar de éste, lanzaron su primer CD en 1994 producido por Txus y Alberto Plaza bajo el nombre de "Mägo de Oz". Este disco tuvo escaso éxito y apenas dio a conocer al grupo. En ese momento Mägo de Oz tuvo una de sus épocas más difíciles puesto que Chema y Juanma abandonan definitivamente al grupo.

En 1996 se formó la composición que ha perdurado casi hasta la actualidad: Entra José en sustitución de Juanma y Frank en sustitución de Chema, para quedar como sigue:

* Txus: Batería, coros y compositor

* Mohamed: Violín y coros

* Carlitos: Guitarra solista y coros

* Frank: Guitarra rítmica, acústica y coros

* Salva: Bajo y coros

* José Andrëa: Voz, teclados y coros

El mismo año empezaron a grabar el CD "Jesús de Chamberí", producido por Alberto Plaza y Mägo de Oz. El CD fue editado en 1996 con el sello discográfico Locomotive Music.

El grupo empieza desde entonces a caracterizarse por un ácido sentido del humor en las ilustraciones de las portadas de sus discos y en sus libretos. El portadista oficial de la banda, Gaboni, fue quien se ocupó de plasmar ese toque personal en los trabajos de la banda.

Fieles al estilo Opera Rock e inspirados en los paisajes y la temática de la inmortal obra de Miguel de Cervantes: El Quijote, nace su tercer CD "La Leyenda de la Mancha" (1998). Este es un disco repleto de riffs de guitarra, melodías celtas, canciones y una cuidada producción.

A finales de 1999 decidieron embarcarse en un ambicioso proyecto: un disco doble. Este fue su cuarto LP y se llamó Finisterra. Para este disco se incorporaron al grupo Sergio Cisneros "Kiskilla" a los teclados y Fernando a los vientos. Este disco ha sido el más folk del grupo, aunque sin perder bases heavy y el cual es para muchos de sus seguidorers el mejor trabajo creado por la banda. La gira de este disco también fue muy ambiciosa, con luces, pirotecnia e hinchables. Decidieron sacar un disco con temas en directo, que recogiera la gira; este disco fue Fölktergeist, y con motivo de este nuevo disco se embarcaron en otra gira mucho más ambiciosa (más pirotecnia, mejor escenografía) y que grabaron en un DVD llamado A Costa Da Rock. Es en este momento cuando Salva decidió abandonar el grupo sustituyéndole un joven bajista: Sergio Martínez (ex- Ankhara).

En 2003 se embarcan en el proyecto de realizar tres álbumes que compondrán la trilogía de Gaia: el primero con título "Gaia", que fue lanzado ese mismo año al mercado. Con la temática de Cortés y la conquista de los españoles a los aztecas, de este disco se desprendieron los sencillos "La Costa del Silencio", "La Rosa de los Vientos" y "El Atrapasueños". Mägo de Oz ha realizado varios conciertos en Sudamérica. Sin embargo, este disco no gustó a muchos de sus fans, pues relegaba a las guitarras a un segundo plano, dándole más importancia al violín y la flauta (instrumentos poco comunes en el Heavy Metal), tirando así más hacia el Hard Rock que hacia el Heavy Metal.

Para el 2004, la banda regresa al estudio a grabar lo que sería su sexta placa discográfica: "Belfast", en honor a la ciudad irlandesa del mismo nombre, pues ha sido lugar de conflictos religiosos. Este disco, lanzado después de "Gaia" pero antes del verdadero sucesor del mencionado, es según ellos "un recreo donde jugamos a ser Elvis, Whitesnake, Deep Purple..." pues está compuesto de versiones de bandas a quien Mägo de Oz admira, además de algunas versiones de si mismos; por ejemplo, Alma (del disco "Gaia") tiene arreglos orquestales, y se incluye, además, una versión metal de "La Rosa de Los Vientos", entre otras. También estuvo a cargo de Locomotive Music.

En este momento se producen importantes cambios en Mägo de Oz: el 20 de mayo de 2004 Carlitos es operado (con un mes de convalecencia) de un ganglión que le estaba afectando los huesos de la mano, por lo cual Jorge Salán entra en su reemplazo durante tres conciertos. Cuando Carlitos se recuperó completamente, Jorge Salán no abandonó el grupo, por lo cual Mägo de Oz quedó con tres guitarristas. Por otra parte, Sergio Martínez, bajista, abandona la agrupación, reemplazándolo Luis Miguel Navalón, quien según Txus era el mejor bajista de estudio que había conocido, pero que sin embargo no cumplía con el carácter de "músico canalla" que necesita cualquier integrante de Mägo de Oz a la hora de tocar en vivo. No obstante, Navalón actuó en algunos conciertos, pero fue sustituido rápidamente.

En el año 2005 salieron dos discos de Mägo de Oz. El primero fue Madrid Las Ventas, disco grabado en directo en la plaza de toros madrileña de Las Ventas; fue un disco con mucha polémica ya que lo publicó Locomotive Music sin tener en cuenta al grupo, que entonces ya había sido contratado por otra discográfica. El segundo disco, puesto a la venta el 14 de noviembre de 2005, fue Gaia II - La Voz Dormida, editado ya con su nueva discográfica Warner Dro; este disco es la segunda parte de la trilogía "Gaia" y su primer single fue "La Posada de los Muertos". Para Gaia II entró en el grupo un nuevo bajista llamado Pedro Diaz "Peri" (ex- Ars amandi) sustituyendo a Sergio. Posterior a este primer single, aparecieron las canciones "Hoy toca ser feliz" y el ambicioso single que el grupo tanto había esperado "Diabulus in Musica". Este último single ha sido sometido a una gran polémica por su alto contenido antireligioso, pero aún así es uno de los mejores temas de su último disco. El disco fue producido por Big Simon recientemente fallecido al que Txus le ha preparando una canción de homenaje llamada "Y serás canción" y posiblemente un concierto. Este tema ha sido incluido en un disco-libro de poemas llamado "El cementerio de los versos perdidos" creado por Txus, que incluye temas originales y grabado con artistas de otros grupos, como Savia, Saratoga etc.

En la gira de Gaia II; La Voz Dormida, el batería y líder, Txus abandonaba el grupo temporalmente a causa de agotamiento y de compromisos a los que tenia que dedicar su tiempo.

En un periodo de tiempo no superior a un mes y medio Mägo de Oz siguió dando conciertos por toda la geografía española ya con Joaquin Arellano "El Niño" a la batería sustituyendo a Txus. Algunos lugares donde actuaron fueron Miajadas (Cáceres) o Chiclana (Cádiz).

Finalmente el día 8 de Septiembre de 2006 Txus volvería bordo de Mägo de Oz y reapareceria en directo ese día en el concierto que el grupo oferto en Rivas Vaciamadrid.

El 23 de octubre del 2006 se lanzo el libro "El cementerio de los versos perdidos" con una recopilación de 50 poemas y un CD todos de la autoría de Txus y con la música de Juanmi Rodriguez (Cuatro Gatos); este salió bajo el sello de Pagana Records, firma creada por el grupo Mägo de Oz y que reside bajo la tutela de Warner Dro (División de Warner music en España). El 5 de diciembre de 2006, Mägo de Oz saca su disco: The Best Oz, un recopilatorio de 3 CDs y un DVD en el que resumen su carrera.

El 1 de mayo del 2007 empiezan un Festival organizado por los mismos, llamado Mägo de Oz Fest en 4 ciudades diferentes, con artistas invitados como, UDO, WarCry, Maligno, Onassis Day, Agora y Cage, tocando en el Distrito Federal el 1 de Mayo, en Torreón el 3 de Mayo, en Monterrey el 5 de Mayo y por ultimo en Chihuahua el 6 de Mayo con llenos totales en todos los conciertos.

La Gira se extendera con el Nombre de Hasta Que El Cuerpo Aguante Tour 2007 por otros puntos de México, EEUU, Chile, Argentina, Nicaragua y por toda España.

Mägo de Oz estuvo el en el tan famoso Monsters of Rock Zaragoza 2007 con artistas de la talla de Ozzy Osbourne, Megadeth, Motorhead, Slayer, Dream Theater,Children of Bodom , Blind Guardian, Black Label Society, Pretty Maids, Mastodon, Kamelot y Brujería.

El 16 de octubre de ese mismo año presentan Y Ahora Voy a Salir (Ranxeira), un tema folkmetal con aires de ranchera mexicana, especialmente dedicado a todos sus fans en este pais que será el primer single de su nuevo album.

El 6 de noviembre de 2007, sale el que será su nuevo disco, La Ciudad de los Árboles, que es un disco de transito, intermedio antes de pasar a terminar la trilogia Gaia, de canciones muy variadas, incluye algun rock n´roll y se aleja un poco del estilo que habia tomado con Gaia II, volviendo a sus raices. con temas como la ciudad de los árboles o no queda sino batirnos.

Actualmente se esperan algunos trabajos como, Barakaldo D.F, el trailer de Aquelarre (que se encargaria de grabar Abel Hidalgo) -cancelado por la retirada a última hora de la ayuda económica para la estancia y traslado de Mago de Oz a Chiclana de la Frontera (lugar donde se rodaría el trailer),y el esperado Gaia III.

Lo peor de la pasión es cuando pasa, cuando al punto final de los finales no le siguen dos puntos suspensivos. ( Joaquín )

El rock de mi tierra.

Conocido como Carlos Vives, cantante y actor, sus primeros pinos al lado de la que llegaría a ser novia, esposa y ex, Margarita Rosa de Franciscos, por mucho tiempo los novios de Colombia.

Es el primer artista Colombiano que toco, y Ustedes se preguntaron por que si siempre escribo de rock?, pues bien, el rock en mi definición es irreverencia (alguna vez lo fue con la Tele y el siguiente programa), la primera canción que escuche de Vives fue "No quiero volverme tan Loco" que para mi era casi un himno en preadolecencia, luego me di cuenta que la versión original era de Charlie Garcia, para mi, en mi humilde concepto, así Garcia sea el abuelo del rock en Español y sea una influencia artística para cantantes como Fito Páez, para mi la versión de Vives era mucho mejor.

Para los críticos de la época (que saben mucho mas que yo y han vivido mas) era una copia buena, pero no para ser éxito. Carlos siguió cantando rock en su novela "Loca Pasión" sin éxito para el resto del mundo, pero en mi incremento esa chispa que luego se convirtió en una llama por el rock en español, una muy buena "influencia", como diría Garcia.

Su rock, como larva, hizo metamorfosis a lo que empezó como un clásico de la provincia y termino en el rock de mi pueblo, donde aun tenemos acordes del trópico y sonidos profundos de acordion, pero para Carlos Vives y para mi, es el rock de mi pueblo.